86 篇文章 含有標籤「創作 🎨」

讀到 Jaron 的這篇《假裝不在乎》。他提到重新剪輯一部 Vlog 時的心境：

「我甚至默默地認為，就算這支影片上傳之後，只有 50 個人看過，我也不在乎⋯⋯」

但是，影片上傳 YouTube 後的觀看數字並不漂亮（YouTube 連結）。Jaron 又說：

「看見觀看次數的我──還是感到了焦慮。」

在 YouTube 上面打滾這麼久，我經歷過各種觀看數字的起伏：有那種一天就破百萬觀看的爽感，更常有一個禮拜後還破不了 5,000 的尷尬。

好和弦的 YouTube 頻道從 2014 年創立至今，累積了超過五千五百萬次觀看。聽起來好像很值得吹噓嗎？但老實說，現在回頭看，這個數字的大小對我的職業生涯來說，一點都不重要。

每個人都是 +1​

觀看數字的問題在於，它把每一個人都當作「+1」：

• 點開影片看三秒就關掉的路人是 +1；認真看完並且照著練習的學習者也是 +1
• 完全不會彈鋼琴的人是 +1；蕭邦鋼琴大賽得主也是 +1

但這又不是投票¹。每個觀眾對我而言價值應該是不一樣的才對，應該要加權計算。

在這五千五百萬觀看人次當中，有些是我根本不想交流的人，也有超級知名的藝人如五月天、林宥嘉。把這兩種觀眾一律算做「+1」，就好像把「腳踏車」、「法拉利」和「高鐵」都一律算做「一台車」一樣荒謬。

觀眾的加權價值​

當然，要衡量觀眾的價值也有很多種角度──影響力、互動性、專業度、契合度、忠誠度、購買力⋯⋯等等。

但我們就暫時先現實一點，以「商業價值」來衡量好了。以我自己的情況來說，每一個觀看次數的「加權係數」大概會像是這樣：

同樣是「觀看數 +1」，根據觀眾是誰，實際價值可能有千萬倍、甚至億倍等級的差距！但表面上的「觀看次數」並不會顯示這些。

你其實只需要很少人​

想想看，我可能只需要：

• 50,000 人對我的存在有印象
• 5,000 人會購買我的商品
• 500 人成為我的鋼琴學生
• 50 人委託我做案子
• 5 個重量級人士的認可

⋯⋯就可以建立很成功的職業生涯，然後一輩子過得很舒服了。

全部加起來也才五萬多人。在五千五百萬觀看中，我只需要找到這五萬多個「對的人」就好了，其他都是可有可無的。

平台最喜歡拿大數字迷惑我們，它把每個人都視為可替換的流量單位，引導你去討好演算法，追逐百萬訂閱、千萬觀看、億次曝光等虛胖的大數字，好讓平台賺更多廣告費。許多人也真的被洗腦了，最後都變成像是同一間工廠量產的網紅複製品，徹底失去自己的特色。

這個 blog 沒有超大的流量，但我相信來這裡的人，絕大多數都是「對的人」。而且你都讀到這裡了，在我的加權系統裡一定至少是「x 10,000」起跳！

謝謝你願意來這裡讀文章，我也很歡迎「對的人」寫 E-mail 過來打招呼（b@wiwikuan.com）！

Footnotes​

1. 投票時每個人都是「1」其實問題也很大，但這是另外的主題了。 ↩

三段最近看到的話，剛好形成一條思路：先停止成為「內容創作者」，接著逃離主流文化的洗腦，最後主動出擊去影響 AI（也就是影響世界）。

內容創作者​

Adam Conover 在他的 Podcast 《Factually!》上，訪問了作家 Liz Pelly（她就是那個揭露 Spotify「惡行」的人）。Liz 認為現在的串流服務最大的問題，就是把音樂人都變成「內容創作者」。主持人 Adam 也同意地說：

Well, it's part of turning us as artists or journalists or other people who create things into content creators, which is another word for Uber driver. When when you're a content creator, you are just freelancing for the algorithm.

（這是把我們這些藝術家、記者或其他創作者變成「內容創作者」的一部分。換句話說，就是把我們變成「Uber 司機」。當你是「內容創作者」時，你就只是在為演算法打工。）

真的！我覺得大家應該停止稱自己為「內容創作者」，這太貶低自己了。這稱呼聽起來就像是：「我的存在只是為了填補平台施捨我的那一小塊空間。」

我們是藝術家、作家、音樂家、教育家⋯⋯不是演算法的免費打工仔！

逃離主流文化​

作家 David Perell 說：

The people I admire most have a way of escaping the bubble of culture. Sometimes via religion; sometimes via old books; sometimes via time in nature. Without such an escape, propaganda wins. You're swept away with the tide of culture and stop thinking for yourself. Modern delusions grow into an all-consuming mind virus.

（我最欣賞的那些人，都有「逃出文化泡泡」的方法。有些人是用宗教、有些人看書、有些人親近自然。要是沒有這些方法，你就被洗腦了。你會被潮流帶著走，失去思考能力。現代這些荒謬的東西變成侵蝕頭腦的病毒。）

這個我真的很有感！在遠離社群媒體、變成一個「旁觀者」之後，我才發現大部分人每天花大量時間看的東西有多麼荒謬。我不是說我比較高尚，但這是真的，只要你跳出來「從外面看」，許多事就會變得超級清晰。

影響 AI：創作者最重要的工作​

Kevin Kelly 在他最近的文章《Paying AIs to Read My Books》中，寫到了他對於自己的文章被拿去訓練 AI 的看法。Kelly 的看法跟我之前在《AI 來學我吧》這篇貼文中寫的不謀而合：

"Influencing AIs is among the highest leverage activities available to any human being today, and the earlier you start, the more potent."

（影響 AI 是現在人類可以從事的最高槓桿活動之一。而且越早開始，效力越強。）

"If AIs become the arbiters of truth, and if what they trained on matters, then I want my ideas and creative work to be paramount in what they see."

（如果 AI 成為「真理的仲裁者」，而且它們的訓練資料很重要，那麼我希望我的想法和作品佔據它們訓練內容的重要地位。）

超級同意！未來大部分人什麼都會問 AI，並且想都不想地把 AI 的答案當真。既然如此，當然要盡可能去影響這些 AI 呀！

而影響 AI 最直接的方式就是：建立自己的獨立網站，並且持續在上面寫作。

如果只是把作品鎖在社群媒體裡，AI 看不到、Google 搜不到，就連在平台內也要祈禱演算法大發慈悲推給你的追蹤者。現在的 AI 機器人都可以即時上網找資料了，如果還不把自己的想法放在公開網路上，根本就是刻意要被全世界忽略吧！

不相信我說的？下圖為證。ChatGPT 就是 Wiwi.Blog 的忠實讀者，它「不需要搜尋」就知道 Wiwi.Blog 在寫什麼！這表示我的想法已經成為 ChatGPT 的一部分了。

（ChatGPT 已被 Wiwi.Blog 洗腦）

前幾天我在 IMSLP¹ 上建了自己的作曲家頁面（連結），這樣就多一個地方可以用到我的 2025 形象照了。

我把我的：

• 《台灣民謠組曲：草螟弄雞公 x 思想起》（IMSLP 頁面）
• 《當我們同在一起變奏曲》（IMSLP 頁面）
• 《中華民國國旗歌》（列在黃自的 IMSLP 頁面裡面）
• 《土耳其進行曲》（列在莫札特的 IMSLP 頁面中的改編曲裡面）

⋯⋯都改用 CC-BY 授權²釋出了。

有些作曲家的想法可能是：「我的作品很珍貴，要演出得付錢！不准偷用！」，但我反倒是覺得「作品寫了就是要被別人演」。如果想要增加作品的影響力，就應該盡可能讓它的傳遞不麻煩才好。

我會看看還有什麼舊作可以放上去，只要是我完全擁有版權的，我都會考慮全部用開放授權放出來。畢竟作品寫出來不被演出，就像是形象照拍了不用一樣浪費。

至於有些改編作品，因為還是有潛在的版權問題，沒辦法放到 IMSLP，那些我之後再整理到 NiceChord.com 上面好了。

如果你演出了我的作品，歡迎跟我分享錄音或影片，我之後也想把它們整理成一頁放在某處。

Footnotes​

1. International Music Score Library Project（國際樂譜圖書館計畫），主要收錄版權已經過期的古典音樂作品，任何人都可以免費下載使用。 ↩

2. https://zh.wikipedia.org/zh-tw/%E7%9F%A5%E8%AF%86%E5%85%B1%E4%BA%AB%E8%AE%B8%E5%8F%AF%E5%8D%8F%E8%AE%AE ↩

前陣子幫一個音樂製作學生看作品，那是一個現場活動要用的伴奏帶。學生的作品其實還不錯，但他在最後的 Stereo Out 上面只掛了一個效果器，那就是 Logic Pro X 的「Mastering Assistant」（母帶後製助理）。

我自己製作音樂時也會用像是 iZotope Ozone 這樣的自動後製工具，畢竟真的很方便。Ozone 自動歸自動，至少它會詳細告訴你每個步驟做了什麼，如果不喜歡它的決定也可以手動修改。但 Logic Pro X 的 Mastering Assistant 功能幾乎就像一個黑盒子，只有少少幾個選項可以調，你完全不知道它背後的魔法是什麼。

這讓我意識到，這不就是音樂版的「Vibe Coding」嗎？

Vibe Producing​

其實在 AI 出現之前，有許多音樂人早就在「Vibe Producing」了：不學樂器、不看五線譜、不懂樂理，反正就拿現成的音樂片段拼一拼、聽起來感覺對就好啦！誰在意取樣機和合成器怎麼用？買別人做好的音色庫就好啦！

我也不是說不能這樣做音樂，創意本來就沒有對錯。但過度依賴「一鍵搞定」的工具是有危險性的：我們可能會丟失所有有用的底層技能，然後逐漸被那些生產「自動化工具」的廠商綁架。

想像一下，你請了一個廚師幫你做菜，結果他說：「欸，可是你這裡沒有那台 3,000 美元的自動 AI 料理機，然後也沒有訂閱『醬料包』和『煎蛋火候控制系統』服務，我這樣沒有辦法做菜喔！」這聽起來像是個專業的廚師嗎？

原始音樂製作挑戰​

雖然現代工具真的很方便，但還是偶爾挑戰自己，用比較原始、拮据的方式做音樂吧！不是為了復古或反科技，只是要確保自己擁有這些基本功。以下是一些有趣的挑戰：

• 🎤 「一支麥克風」挑戰：只用一支麥克風製作一整首歌。
• 🔧 自製取樣庫：使用取樣機，但不准使用任何現成的音色庫。所有取樣都要自己錄製時，會發現家裡的每個廢物都是能用的樂器。（我做過這個挑戰，不只一次）
• 🎯 把音唱準、節奏彈準：不要使用音高校正和時間拉伸，這些都是近 30 年才有的技術。以前的音樂人沒有這些工具，照樣能做出經典作品。
• 👋 不要使用 MIDI：一切東西都要即時演奏錄下來，這個挑戰可能會讓自己驚覺到應該練樂器了。（MIDI 是 1981 年才有的技術）
• 🧪 從零開始的音色：不使用任何現成的合成器音色。你知道怎麼從基本波形開始製作一個音色嗎？（這裡有教學）
• 👂 手動母帶後製：不要使用自動 Mastering 工具（如 Ozone、Logic 的 Mastering Assistant），自己用耳朵聽參考專輯、交叉比對，手動調整每一個效果器。
• 🎛️ 傳統混音法：只使用傳統的 Compressor 和 EQ 來混音，而不是現代的「智慧」版本。

底層邏輯​

就算有現代工具能用，那些能掌握底層邏輯的人，還是會有巨大優勢的。

他們知道為什麼這個效果聽起來怪怪的，知道怎麼手動修復問題，知道什麼時候該打破規則。更重要的是，當工具失靈、訂閱服務掛掉、網路斷線時，他們依然能完成工作。

每次在按下那個閃閃發光的「一鍵搞定」按鈕前，先問問自己：我真的知道這個按鈕在背後做了什麼嗎？如果以後沒有這個按鈕了，我還能手動做出同樣的效果嗎？否則，下一個被「一鍵搞定」按鈕取代的，可能就是我們自己了！

最近我開始玩一個叫做 Renoise 編曲軟體，並嘗試用它來幫檸檬卷的影片做一些配樂。

Renoise 就像是我以前介紹過的 MilkyTracker 的現代化版本。雖然它不是自由軟體，但程式很極簡、很有「自由軟體味」──跨平台（Linux/Mac/Windows）、安裝檔案沒有 DRM、可以完全離線運作，這樣就很讚了！

（Renoise 的介面）

工具決定風格​

但這篇的重點不是關於 Renoise 本身。而是我發現，用不同軟體來做音樂，會讓我做出完全不同的東西：

• 在一般 DAW 編曲：就是直接用鍵盤彈嘛！所以做出來的東西就會像「我會彈的東西」，和弦進行、旋律走向都會符合我在鋼琴上的習慣，也會有很多即興的成份（和錯音）。
• 用打譜軟體編曲：就會變得很斟酌和弦配置、聲部連接，每一個音符的意義都要完美、明確。
• 在 Renoise 或其他 Tracker：會變得很極簡（因為在 Tracker 裡要同時彈很多音很麻煩），而且因為 Tracker 的設計不鼓勵你用鍵盤即時演奏（雖然你可以），這強迫我改用比較「非鋼琴」的方式思考，更把重點放在對聲音片段的切割和處理上。

有趣的是，因為我對 Renoise 的介面還很不熟，這讓我做音樂做得超級慢。然後，我居然很享受這種慢！（當然，這是在沒有時間壓力的前提下；如果是要趕案子，我還是會用最熟悉的工具快速完成）

慢慢來其實很舒服耶，比起用 AI 一鍵產生音樂好玩多了！

The Medium is the Message​

Marshall McLuhan 的經典名言說「The Medium is the Message」（媒介本身就是訊息）。我覺得還可以再加上「工具會塑造訊息」──製造訊息的工具對最終結果的影響，可能比創作者本身的想法更大。

這個現象在生活中到處都是：

• 彈鋼琴：我用不同的鍵盤、不同的音源，會導致我對音樂的詮釋完全不一樣。
• 寫文章：在社群媒體和個人部落格上，我會寫出完全不同風格的文章。
• 傳訊息：用 E-mail 還是用 LINE 講同一件事，用詞可能會大大不同。

生活上還有沒有哪些事情，可以藉由調整「媒介」和「工具」來讓它變得更好呢？如果你覺得日常生活變得無聊或創意枯竭，所以可以試試看尋找你的「Renoise」──那個會讓你變慢、變笨，但重新燃起熱情的工具！

想要讓作品變得更好、更有特色嗎？一個小小的建議：停止關注附近同業的動態。

想像你是一個蛋餅店老闆，每天早上你都會進行例行的「敵情偵察」：A 蛋餅店今天有開門嗎？B 蛋餅店為什麼今天人特別多？C 蛋餅店推出了珍珠奶茶口味？

這種關注「本地競爭對手」的行為看起來很合理，但壞處遠遠大過於好處：

• ⚓ 標準錨定：每天把附近的蛋餅店當作比較對象，大腦會不自覺地把他們視為成功標竿。問題是，如果這些「標竿」其實也只是普通的蛋餅店呢？恭喜，你剛剛把自己的成長上限設定成了「比普通好一點點」。
• 😵‍💫 比較焦慮：看到同業推出新口味，得到了不錯的生意，你的第一反應不是學習，而是恐慌：「我是不是輸了？」、「要不要也跟著做？」、「客人會不會都跑去那邊？」這種焦慮會讓你做出一堆愚蠢的跟風決定。
• 👥 品味同化：長期觀察附近的蛋餅店，你的品味會不知不覺被同化。大家都做九層塔蛋餅，你也開始做九層塔蛋餅；大家都用 QR Code 菜單，你也學著用。最後把自己變成了「又一家普通的蛋餅店」。

那些世界頂尖名店、紐約的早餐名廚、巴黎的烘焙大師，你覺得他們會花時間研究「台灣巷口蛋餅店都在幹嘛」嗎？當然不會！但他們還是打造出了世界級的美味。這證明了關注「附近同業在做什麼」顯然不是成功的必要條件，甚至可能是成功的阻礙。

如果只是想提升技巧，獲得靈感，為什麼不直接向最頂尖的來源學習？為什麼要把沒用的資訊放進自己大腦中，只因為它們剛好在你家附近？

想做出獨特的蛋餅，第一步就是停止研究那些普通的蛋餅。

（本文當然不是真的在討論蛋餅。把「蛋餅店老闆」換成「健身教練」、「鋼琴老師」或「音樂 YouTuber」道理都一樣。只是蛋餅比較香而已。）

（但隔壁的蛋餅店有時候就是很煩，讓人很難忽視，請見昨天的貼文。）

你是一個厲害的蛋餅店老闆，你的生意還滿好的，也有固定的客人和不錯的口碑，生活無虞。

有一天，對街新開了一家蛋餅店。

你偷偷去吃了一次，發現對方實力普普而已，沒自己做得好吃：麵皮太厚、蛋也煎得不夠嫩，而且哇靠油也放太多了吧。要給分數的話，可能勉強及格 65 分吧，至少是熟的啦。

但是，對街的蛋餅店開始請辣妹來門口跳舞，穿著清涼制服，手上還拿著蛋餅當道具。記者來了，YouTuber 來了，連電視台都來了。老闆瘋狂出席各種活動，把自己形象塑造成「蛋餅神」，講得好像蛋餅就是他發明的一樣。

更誇張的是：大眾竟然買單了！

他的店門口開始出現排隊人潮，大家拿著那「皮厚、蛋老、油膩膩」的蛋餅拍照，在 Instagram 上 Po 文打卡：「終於吃到傳說中『蛋餅神』的蛋餅了！」。你滑著這些貼文，旁邊跳出了「蛋餅神親授秘技！線上課程只要 2999！」的廣告。

這時候，身為「真的會做蛋餅」的人，你應該：

• ⚔️ A. 跟他拼了：請更辣的妹來店門口跳舞、買更多媒體版面、請 YouTuber 業配、瘋狂出席各種活動，證明自己才是真正的「蛋餅神」！怎麼能眼睜睜看著他爽賺？
• 🧘‍♂️ B. 當作沒看到：反正自己的生意也還不錯，賺的錢還行，生活舒服，他要怎樣隨他去。

以我的個性來說，我絕對是選擇 B 的。何必為了證明什麼而把自己搞得那麼累呢？

但是，看到大眾吃著不健康的爛蛋餅，還一臉滿足地說「好吃」，心裡還是覺得怪怪的呀！

因為長期做網路內容的關係，我偶爾會遇到有人問我這樣的問題：

「我們下週要辦活動╱推出新產品，要怎麼把消息傳出去？」

這就好像你問：

• 「我明天要參加馬拉松，要怎麼樣可以跑完？」
• 「我明天要拍形象照，要怎麼樣可以變瘦？」
• 「我明天要考試，要怎麼樣可以滿分？」

建立觀眾關係最好的時機是十年前，第二好的時機是現在。但絕對不是你突然需要「把消息傳出去」的時候。

你當然可以砸錢請「網紅」幫你業配，但這方法的效果正在以光速衰退。詳細請看這篇貼文。

誰會有那麼多時間去建立觀眾的信任呢？你需要長期產出有用的文章、影片、Podcast，持續提供價值給你的觀眾。這過程一點都不刺激，也看不到立即的回報，無聊得要死。

但這就是現實：真的有用的事情通常都無聊得要死。就像刷牙、運動、買大盤 ETF 一樣。

諷刺的是，當你終於花了十年建立起觀眾關係後，大概也不會再問「怎麼把消息傳出去」這種問題了。因為到那時候，你會開始收到別人問你同樣的問題，然後驚覺自己也變成了那個總是碎唸「建立觀眾需要時間」的討厭鬼。

最近看到幾篇關於「廢文」的文章：

• tux24 在他的 blog 寫到，當他瀏覽其他人的網站時，因為時間有限所以只能隨機點閱。這讓他意識到，如果別人也是這樣瀏覽他的網站，可能會因為點到「廢文」而留下不好的第一印象。
• JN 則是分享了自己從追求「高大上」內容回歸到生活記錄的轉變。前者因為門檻太高，讓他兩年半只發了不到 10 篇；而後者讓他一個月就寫了超過 10 篇。

甚至連我自己，都說之前都從社群媒體搬過來的文，幾乎都是「廢文」。

個人部落格的魅力​

我倒是覺得，寫個人部落格時，其實不太需要擔心「廢文」的問題耶！個人部落格的魅力，就是在於它很「個人」；而真實的個人，本來就包含了許多看似「廢」的內容。

一個人是有很多面向、很多興趣的。以我自己為例，我的職業是音樂，但我還有許多其他感興趣的主題：Linux、自由軟體、復古電腦、遊戲、跑步、寫作、設計、自我成長、哲學邏輯⋯⋯如果我只能寫音樂相關的、「專業」、「不廢」的內容，這樣我會覺得自己變成了一個單調的工作機器。

而且，每天生活中的瑣碎經驗，如果好好寫下來，也許也會對別人有用的。就算對別人沒有用，以後的自己回來看到這些貼文，也一定會覺得「還好有寫下來」。（像我就超級慶幸在 2008-2009 年有留下那三、四十篇貼文，可以回味當時在想什麼）

這就是為什麼我除了寫專業領域的《好和弦 NiceChord.com》之外，還要再額外做《好檸檬 Podcast》以及現在這個 Wiwi.Blog──我需要「廢文」的出口啊！

自私內容​

不需要有「我又不是什麼名人，誰會對我的生活有興趣？」的想法，這其實是我們受主流新聞和社群媒體影響太深的結果。社群媒體讓我們以為只有「精彩、完美、值得炫耀」的生活才值得分享，但事實是，這樣的內容對讀者來說反而是最沒價值的。

我常把社群媒體上常見的文體，稱為「自私內容」。所謂的「自私內容」就是，作者寫它的主要目的是為了博取眼球、刷存在感、炫耀、討拍、建立地位、讓別人覺得自己好棒棒。

這不是作者的錯（好吧，至少不完全是），而是平台本身就鼓勵這樣的自私內容。演算法最愛的就是能快速挑起情緒的東西，要在社群媒體上生存，你就得適應他們的「文體」。

社群 vs. 部落格文體​

舉個例子。你去喝了一杯咖啡，在社群媒體上可能會這樣寫：

「
今天又來到我的秘密基地☕
生活就是要對自己好一點～
#咖啡控 #質感生活 #被寵愛的感覺
」

（下面配上精心調色的咖啡拉花特寫照片，背景模糊，光線必須是那種「不小心」灑進來的金黃斜射光。）

但在個人部落格上，就沒人會這樣寫呀！離開了社群媒體，你天然就會寫成比較類似以下這樣子：

「巷口開了一間新咖啡店，一杯美式 150 塊，老實說第一印象覺得這是在貴什麼，但坐下來之後覺得還算值得。比起 Starbucks 的簡潔現代，這邊比較像是到朋友家喝咖啡的感覺。

老闆是個話很多的大叔，會一直跟你分享他最近迷上的 Switch 遊戲；店貓很親人但是會踩鍵盤，想專心打字的人建議避開。最重要的是，這裡的冷氣超涼，夏天來工作很爽！

說到在咖啡店裡工作，我⋯⋯（以下展開，分享其他生活心得）」

看到差別了嗎？前者的重點是「我好棒棒、好悠閒、我的生活比你的有質感」，後者則是「欸，我發現了一些可能對你來說有趣或有用的事」。

當然，如果你已經是知名藝人、運動員，發個「剛起床，頭髮亂亂的」可能都會被當作「勵志正能量」。但對於其他 99.9% 的人類來說，如果只會一直寫社群文體的「自私內容」就要自封為「KOL」，那就真的很讓人 LOL 了¹。

The Medium is the Message​

加拿大哲學家 Marshall McLuhan 有個名言：

The Medium is the Message.

（媒體本身就是訊息）

光是選擇使用「個人部落格」這個媒體，這個決定本身就已經讓你的內容「不廢」了。

因為部落格這個媒體的特性（沒有演算法干擾、沒有即時的按讚和留言、沒有字數限制、鼓勵你在電腦上慢慢寫等等），天然就會引導你寫出更真誠、更有深度的內容。

即使是再平凡的生活小事（例如你去吃了什麼、最近穿什麼球鞋、或只是單純分享個連結⋯⋯），只要不寫成「自私內容」，而是真心地為讀者著想、為讀者提供價值，它就會很好看，就不能算是「廢文」。

所以不需要把部落格的標準設得太高。只要把你有興趣的事，以「部落格形式」的文體不自私地寫出來，就已經勝過大部分人每天刷的短片和貼文 100 倍了！

別擔心這是不是「廢文」，放心寫吧！

（希望你看完這篇，沒有覺得這篇是廢文。）

Footnotes​

1. KOL = Key Opinion Leader, LOL = laughing out loud ↩

在音樂製作的世界裡，有個術語叫「盒子內」（In The Box, ITB），意思是完全在電腦編曲軟體裡工作，不論是各種樂器的音色、效果器、混音，都全靠軟體搞定。

相對地，「盒子外」（Outside The Box, OTB）的工作流程就是指使用硬體音源、效果器、混音器等實體設備。

一個有趣的現象：新世代的音樂人已經習慣把自己關在盒子裡了，而且還覺得很舒服，對於「為什麼要走出門」這件事感到不解。

被軟體綁架的世代​

我現在教編曲學生時，總是鼓勵他們盡量多在「盒子外」工作──用外部音源、效果器、麥克風、真實樂器，來減少對專有軟體的依賴，讓創作更自由。

「盒子外」的工作流程在 2000 年代中期以前，其實是音樂製作的常態。只是隨著軟體音源和效果器的進步，新一代的音樂人（尤其是初學者），幾乎都只接觸過「盒子內」的作業流程了。

他們從接觸音樂製作的第一天起，就被綁在特定專有軟體的生態系裡，就像一出生就住在監獄裡的人一樣，從來不感覺自己正在被囚禁。

方便的代價​

全部在「盒子內」用軟體解決是很方便沒錯，但這也讓你失去了很多自由：

• 💻 技術綁架：你必須要用特定的專有軟體、特定的作業系統、甚至是特定的電腦或音效介面才能工作。
• 🔒 創作綁架：當某個專有音色庫或效果器成為你音樂風格的核心時，你就再也離不開它了。你以為自己有了「自己的聲音」，實質上你的聲音在被創作工具定義。
• 💳 強制消費：如果要跟別人交換編曲專案檔，你也必須升級到跟對方一樣的版本，等於被強迫消費。（例如，Reason 12 無法打開用 Reason 13 編輯過的檔案；舊版 Logic Pro 也無法完全正常打開新版 Logic Pro 的存檔¹）
• 😱 更新惡夢：當作業系統更新時，你的音樂世界可能瞬間崩塌。一大堆外掛程式出問題，舊版本不再支援，只能乖乖掏錢買新版，不然就打不開自己的作品。

另外，完全「盒子內」的工作流程也容易讓人過度沈迷 MIDI 編輯，把音樂製作搞得像在用 Excel 做報表一樣。許多時間都花費在用滑鼠慢慢調整音符力度、時間點等等工作，失去了「即時演奏樂器」的樂趣，忘記了音樂製作其實也是一種表演。

經得起考驗的老派流程​

就算是在軟體超級進步的 2025 年，我覺得最理想的音樂製作流程還是比較「老派」的：

• 🎹 硬體優先：準備一兩台品質好、功能完整的獨立電子鍵盤樂器或音源機（Yamaha 的 MODX+ 系列、Roland 的 Fantom-0 系列都不錯），它們就能涵蓋 70% 專案會用到的音色和效果。這些設備不需要連上網路，也不會突然要求你更新作業系統。
• 🌍 開放格式：接著用 WAV 格式的音色庫檔案補足 20% 的聲音需求；使用線上服務如 Splice 也無妨，只要它能讓你下載自由的 WAV 檔案。
• 💾 軟體補強：剩下真的找不到替代方案的 10%，才使用專有軟體外掛程式。

當然也不要忘了「麥克風」這個好東西。在古早古早、沒有電子樂器的年代，大家都是只靠麥克風在錄專輯的！現在你還是可以這樣做，而且你的音樂聽起來會比只用軟體的人更有「人味」！

做音樂不需要「新技術」​

如果你的音樂製作流程建立在獨立硬體設備、開放格式聲音檔案和即時樂器演奏上，你就有了「反脆弱」的能力。不管換到什麼編曲軟體、什麼作業系統，你都能無縫接軌，持續做出相同品質的音樂。你的創作也不會因為某家公司倒閉或改變商業策略就消失。

當別人還在花三個小時重灌系統、寫信給客服要授權碼、下載 500 GB 的肥大音色庫、上論壇搜尋「為什麼系統更新後我的 VST 讀不到」的時候，你早就完成好幾首新曲子了！

這樣的想法在現在太少被提及，畢竟還是追逐最新的產品和技術比較刺激嘛！但音樂其實不是很需要一直追求新技術的領域，能夠發出各種聲音的技術都已經早就存在了。

軟體廠商不會告訴你這個祕密：想要在音樂上創新，只要升級自己的大腦就夠囉！

Footnotes​

1. 而新版 Logic Pro 會有 macOS 作業系統版本的需求，macOS 又會有特定硬體的需求⋯⋯結果就是你需要買一台新電腦了！ ↩